Ensayos, escritos

Un Poeta - Crítica

Análisis técnico

La película combina humor y honestidad emocional para crear una atmósfera de tragicomedia profundamente humana. Desde la significancia visual, se percibe que su tesis central es que la verdadera poesía proviene de lo hermoso en lo cotidiano, en lo trágico y en lo cómico.

La colorización es uno de los elementos más notables: tonos vivos y saturados que transmiten cercanía y realidad, contrastando con la melancolía y autocompasión del protagonista. Esta decisión estética da a la obra un carácter realista y latinoamericano, alejado de la "porno-miseria" que ha caracterizado el cine hecho en Latinoamérica, mostrando las dificultades de la vida sin caer en explotación visual.

El uso del formato 16mm no se percibe como una limitación, sino como una elección estética que refuerza la identidad de un cine independiente. Esta textura aporta cercanía, crudeza y autenticidad, transformando lo presupuestal en virtud artística.

En cuanto a dirección y guión, Simón Mesa Soto juega con la sencillez narrativa para resaltar las tensiones internas de los personajes, y utiliza la comedia como recurso para aliviar y al mismo tiempo profundizar en los conflictos. La fotografía y la puesta en escena priorizan lo íntimo y lo cotidiano, logrando que los espacios pequeños, las dinámicas familiares y las fiestas populares transmiten el peso de la historia.

Análisis crítico

La película a través de su comedia trágica nos acerca a un personaje profundamente defectuoso y real.

Adicciones y salud

Podemos hacer una lectura psicológica del personaje principal, Oscar, a través de lo que le dice su propia hija, que junto a la madre del poeta muestran ser las personas que mejor lo conocen, por un lado, su madre reconoce su bondad e ingenuidad, y busca brindarle una protección maternal, esperando que vuelva a tomar las riendas de su vida, como lo hizo en su juventud siendo talentoso en su escritura y entusiasmado por seguir creando.

En este aspecto se brinda un acercamiento a la realidad de las adicciones, de cómo pueden llegar a arruinar la vida de alguien ya que en varias ocasiones se deja en claro el grave problema con el alcohol con el que vive Oscar y mediante su hija, como esta adición puede afectar a las personas a su alrededor.

En este sentido su hija es la persona que ve a través de esa capa de incomodidad y rareza que proyecta su padre, y logra ver que es una persona profundamente sensible, que ha fracasado en su vida debido a sus propias malas decisiones, como se nos presenta mediante sus inversiones y malgastes de dinero y su constante autocompasión; por esto mismo la hija le dice directamente que siente lástima de él, pero incluso ella entiende que él puede superar este pensamiento de constante zozobra y tragedia que inundan su cabeza y lo inclinan al alcohol.

El arte como motor de cambio

El motor de cambio que impulsa a Oscar a ver la vida de una manera diferente es su estudiante, la cual mediante su poesía sincera, cercana y sin pretensiones, le devuelve el amor a este arte. Podemos observar que el mismo personaje ya era consciente de que la buena poesía se basaba en encontrar belleza en los aspectos más cotidianos de la experiencia humana, ya que lo menciona acaloradamente durante la fiesta del festival de poesía, por lo que, entendemos que él sabe que la buena poesía no proviene de auto-compadecerse sino de buscar incluso en la tragedia, algún tipo de belleza o comedia, como lo que hace constantemente la película, enfrentándonos a la realidad de la pobreza en latinoamérica no desde un punto de "porno-miseria" o degradación, como por ejemplo muestran cuando en la película el director del festival de poesía, al intentar obligar a la familia a grabar un video exculpándolos de responsabilidad sobre el incidente durante el evento del festival, al contrario la película nos muestra esta realidad desde un punto de vista honesto, cercano y sin juicios impuestos, que llega codear con la comedia mediante situaciones de la cotidianidad popular, como el vivir en un espacio reducido junto a muchas personas, o como Yurlady busca siempre llevar comida extra su hogar, lo que nos muestra su cariño y preocupación por sus hermanos y sobrinos.

Retomando la idea anterior, y acercándonos al final del filme, tenemos una hermosa analogía de cómo estos poetas, Yurlady y Oscar conectan con la creatividad a través de la vivencia contemplativa, el simple tacto de los rayos de la luz del sol en sus manos, como desaparece el sonido al cerrar los ojos y simplemente sentir estar vivo. De esta manera nuestro personaje vuelve a querer escribir, y así buscar un nuevo rumbo para su vida, a través de la sencillez, la humildad y la aceptación. Esto se refuerza al final, cuando nos muestran que a pesar de estar pasando una gran tragedia en su vida, la inminente y cada vez más cercana muerte de su madre, Oscar decide vivir su tristeza, pero a pesar de eso buscar aceptar su situación y abrazarla, como abraza a su hija, la persona que más entiende que él es infinitamente capaz de mejorar como persona y encaminar su vida, lejos del alcohol y de una mentalidad de morbo por la propia tragedia.

La modernidad del arte

Siento que es importante destacar también un subtexto de crítica que contiene la película sobre lo que significa realmente vivir del arte, ya que se percibe que para trascender a la historia como un gran artista, se debe dejar obrar y morir joven, o así lo ve en un principio nuestro protagonista, que se muestra pasando una profunda depresión al no haber cumplido las expectativas que los demás y él mismo imponían en su vida.

Un segundo acercamiento a la vida del artista se ve a través de Efraín, el director de la casa de poesía, un hombre que se aprovecha de su situación de poder, ya que en varias ocasiones este personaje busca ponerse por encima de los demás, demostrar que él tiene el poder de hacer lo que quiere, como drogarse en medio de un evento con menores de edad, brindarle alcohol a estos mismos, pordebajear a su compañero artista Oscar, llamándolo mediocre, y aún peor humillando a la familia de Yurlady pidiéndoles que le quiten toda la responsabilidad de lo ocurrido a su institución, esta posición de privilegio de Efrain además nos lo remarca ingeniosamente la película mediante un diálogo del mismo personaje, en el que explica cómo las personas de bajos recursos que buscar vivir del arte tienen muchas más dificultades que personas, que como él mismo viven con privilegios y pueden dedicarse a vender arte, no a crearlo sentidamente, sino a buscar capitalizar mediante la explotación de, por ejemplo, las realidades de personas vulnerables como Yurlady.

Reflexión final

Un Poeta sugiere que el verdadero arte no surge ni del egocentrismo ni de la autocompasión, sino de la honestidad emocional y la conexión con lo humano. A pesar de la tragedia que enfrenta (la muerte inminente de su madre), Óscar elige aceptar su dolor, abrazar a su hija y buscar un nuevo camino lejos de la adicción y del morbo por la propia desgracia.

Desde la semiótica visual de la película entendemos, lo que considero yo es su tesis principal, que la verdadera poesía proviene de lo hermoso en lo cotidiano, en lo trágico y en lo cómico. La película tiene una colorización fidedigna, que crea una atmósfera y un aspecto visual cercano y aterrizado a la realidad de vivir en Latinoamérica, con colores vivos y saturados, lo cual es muy contrario a la personalidad del mismo protagonista, tan melancólica y autocompasiva. La película transforma sus posibles limitaciones presupuestales en decisiones estéticas, por ejemplo mediante su aspecto de 16mm, que suele relacionarse con asequibilidad, demostrando la esencia del film de ser independiente, sin restarle valor o importancia.

Análisis contextual

La película Un Poeta se inscribe dentro de una tradición del cine de autor colombiano que ha buscado retratar la realidad social y existencial del país desde perspectivas íntimas y críticas. Aunque el filme de Simón Mesa Soto apuesta por un tono tragicómico y poético, sus raíces dialogan con obras previas que marcaron el camino de un cine reflexivo y comprometido en Colombia.

Películas como Pura Sangre (1982, de Luis Ospina) y Rodrigo D: No Futuro (1990, de Víctor Gaviria) abrieron una senda de exploración de la marginalidad, la violencia estructural y la desesperanza juvenil en Colombia. Ambas, desde lenguajes distintos, expusieron realidades crudas que contrastaban con el cine comercial de la época. Un Poeta recoge ese legado en tanto que expone la precariedad, las adicciones y la fragilidad emocional de un artista en un contexto de desigualdad. Sin embargo, a diferencia del tono más descarnado de Ospina o Gaviria, Simón Mesa Soto opta por un lenguaje de la intimidad y de la ironía, donde la tragedia se acompaña siempre de un respiro cómico. Esto lo conecta más con el cine contemporáneo que busca humanizar lo cotidiano sin caer en el sensacionalismo.

La película dialoga con otras expresiones artísticas que se interrogan sobre el papel del arte y la poesía en sociedades desiguales. En este sentido, guarda ecos con la literatura de poetas latinoamericanos que encontraron belleza en lo marginal y lo cotidiano (como Gonzalo Arango con el Nadaísmo, o incluso la mirada existencial de Mario Benedetti en sus textos sobre lo simple y humano). Asimismo, recuerda películas internacionales como Paterson (2016, de Jim Jarmusch), donde la poesía también se entreteje con la vida cotidiana, aunque aquí el contraste es mayor, pues Un Poeta se ubica en una Medellín atravesada por desigualdades, lo que convierte la escritura en un acto de resistencia.

El hecho de que Un Poeta haya ganado el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes 2025 le otorga una visibilidad que pocas películas colombianas han alcanzado. Se suma a una trayectoria reciente en la que obras como La Vendedora de Rosas (1998), El abrazo de la serpiente (2015) o Monos (2019) han llevado el cine colombiano a circuitos internacionales de prestigio. En ese sentido, Un Poeta podría considerarse una película bisagra en la historia del cine colombiano contemporáneo: recoge el espíritu crítico de obras pioneras como Rodrigo D o Pura Sangre, pero lo reformula con un lenguaje más íntimo, poético y universal, que puede dialogar con audiencias fuera de Colombia sin perder su raíz local.

Más que representar la violencia o la marginalidad de manera frontal, propone un cine que encuentra en lo humano, lo sensible y lo cotidiano un espacio de resistencia. Ese gesto convierte a Un Poeta en un aporte significativo tanto para la tradición cinematográfica nacional como para la conversación global sobre el papel del arte en la vida cotidiana.

Referencias

1. Internet Movie Database. (2025). Un Poeta [Película]. IMDb.
2. Internet Movie Database. (1982). Pura Sangre [Película]. IMDb.
3. Internet Movie Database. (1990). Rodrigo D: No Futuro [Película]. IMDb.
4. Internet Movie Database. (2016). Paterson [Película]. IMDb.
5. Internet Movie Database. (1998). La vendedora de rosas [Película]. IMDb.
6. Internet Movie Database. (2015). El abrazo de la serpiente [Película]. IMDb.
7. Internet Movie Database. (2019). Monos [Película]. IMDb.